Somewhere in the range of flight / Irgendwo im Flugbereich

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The Ballett am Rhein brilliantly presented their program b. 21 to viewers young and old in the nearly sold-out Düsseldorfer on November 27, 2014.

 

A spark ignited within the ensemble that carried through the entire evening: glimmering in the classic Serenade by George Balanchine, glowing in the world premiere of Alltag by Hans van Manen, and exploding in the the Brahms Second Symphony with fulminant choreography by company leader Martin Schläpfer.

 

Originally, a different work had been set to follow the premiere of van Manen's Alltag in this three-part ballet evening. But unfortunately, choreographer Terence Kohler was forced to cancel due to illness, so Schläpfer presented his own 2013 work, Second Symphony instead. A fortunate decision.

 

The evening opened with Serenade. George Balanchine choreographed this piece in 1934 for his students at the American School of Ballet, and it really does have an etude-like character in the way it draws from tradition, and the way its hand and arm gestures are peppered with quotations from and allusions to 19th century romantic ballet. At the same time, Serenade prevails as one of the first great works that lead into a new era of dance. The dancers, wearing pointe shoes and refined tutus, are liberated from pomp and glitter and must prove their abilities quickly and virtuosically in ever-changing constellations.

 

After experiencing the pleasure live music (the superior Düsseldorf Symphony under the baton of J. Hochstenbach), any canned soundtrack used on that same evening falls on disappointed ears. Accoustically, Alltag did not succeed. Perhaps this piece should have opened the evening.

 

In Alltag (Everyday), we see one dancer (Martin Schläpfer) on stage, who plays a choreographer struggling for inspiration. At first – testing himself – he ventures a few steps and sequences. Then, as he grows more confident, he dances more expansively until a Muse (?) appears for a duet. Van Manen quotes from Schläpfer's own choreography to a soundtrack of Mahler and Bach. Schläpfer ends, before he turns and leaves, lost in contemplation on a chair. He doesn't look up again. His thoughts have already been transformed. Before his inner eye – and for the audience in reality – a young couple moved and effortlessly translated the thoughts of this choreographer into flesh and blood and living dance.

 

That sounds simple, and it is. In the positive sense of the word.

 

The 82-year-old Hans van Manen does not circumnavigate; he strips his choreographic inspiration down so that only the most important elements remain. Van Manen does not follow the trend of pursuing constant and supposed novelty. He rarely choreographs anymore, but for Schläpfer, who also performed in celebration of van Manen's 80th birthday, he makes an exception: this is the expression of a long friendship.

 

And Schläpfer himself? He fills his role as dancer and protagonist with body and soul, just as he expects from his own dancers. In a newspaper interview he said about himself, “ 'Everyday' (Alltag) in the sense of being secure is not something I am familiar with.” All the more courage to take on a challenge like this one.

 

What follows next grips the viewer in its spell from the onset.

As if painting with ink, Schläpfer lets his ensemble sweep rapidly and virtuosically through the Second Symphony of Brahms in great, airy arcs. Here, in the final section of the evening, the ensemble finds their own unparallelled and completely unique dance-language. Here, they are in their element – like spirits of the forest or fairytale beings of the water on whose banks Brahms wrote this composition. Visual references to nature – to Wörthersee, nestled in the Carinthian mountains – ring in the distance. The back wall (Keso Dekker) shows abstract waves; the wings are not black drapes, but rather transparent waterways made by hanging, clear plastic, which visibly highlights the high pulse of this choreography.

 

Schläpfer creates a complex, multifaceted cosmos within each moment when he lets his dancers rush across the stage like the wind. He skillfully offsets his pictures by choreographing several groups that dance simultaneously, each with its own dynamic and motif-related movement, layering several tempos over each other. Plasticity and focus emerge both in the visual design and the movement content. It's like a Japanese zen garden, in which differing levels are a conscious way of offering the eye relaxation through depth effect and three-dimensionality.

 

The virtuosity of Schläpfers dancers, still in ballet slippers here, connects classic and contemporary elements. They explode into jumps while turning with rowing, circular elbows, move their heads idiosyncratically and articulate the hands – then attack the floor with elegance and control before continuing to turn and twirl with the same verve, come to standing again and seamlessly spiral into the next rotation, the next jump. The consolidated unison in trios or duets during this first movement formed a unique compositional and choreographic density that left the viewer breathless.

 

There is no specific “male” or “female” dance-language here. The ensemble draws from an artificial movement vocabulary, bringing those who can master it in one breath together into one group. Nevertheless random and ephemeral characters emerge: gnomes and imps, half-beings, which hang somewhere in the range of flight. They whir and flutter, appear at breakneck speed, dissolve again, then leave someone behind who leads into the next sequence and new motif.

 

In the second movement, a sextet dances on pointe again, but in a natural manner completely different from that in the first part of the evening: one almost forgets the pointe shoes – the dancers seem to rest, breathing freely in their bodies. The scene pulses dynamically with extreme musicality, yet is more stationary than before.

 

Marlúcia do Amaral's solo in the third movement is one of the evening's highlights. She nuances even the smallest movements, and her dancing counterbalances the entire orchestra. Maintaining a slow tempo, yet high dynamic, she engages in dialogue with herself: embodies multiple souls in one breast, fights against invisible chains – against the tightening oppression of her own outer skin. One memorable image is the way she traverses the stage in even arcs, floating backwards on pointe in silence after the orchestra fades, before disappearing into the last wing. At this – even before the beginning of the fourth movement – the audience must applaud.

 

Thanks to the skill of the ensemble at hand here, which has mastered the very different technical demands of varying choreographic styles with proficiency, passion, and a bow to precision, the viewer can surrender himself to Shläpfer's underlying pedagogical approach. It is only in retrospect, after the Second Symphony, that the cleverly taut dramatic arc of the evening becomes apparent. Unforced references to Swan Lake and Pina Bausch echo in diagonal lines here, creating a connection to Serenade.

 

The final picture is the rear view of an oblivious group with their arms rowing overhead. They stop suddenly. One member steps out and picks up the rubber duck that was placed at the edge of the stage before the sextet, and gingerly cradles it in his arm. That was a joke!

 

There is much applause, and viewers leave the theater with many long-lasting impressions. Fortunately for those who have not yet been able to get tickets, there will be an extra performance on December 26: a Christmas present from the Ballett am Rhein ensemble to the public.

 

AKS 12.2014

translated by Hayley Glickfeld Bielman

 

 

 

Irgendwo im Flugbereich

 

Bis hoch in die Ränge fast restlos ausverkauft, zeigt sich im Düsseldorfer Opernhaus das Ballett am Rhein mit dem Ballettabend b. 21 in glänzender Verfassung einem begeisterten Publikum, das weder nach oben noch nach unten eine Altersbegrenzung kennt.

 

Der Funke springt über, glimmt im Klassiker, der Serenade von George Balanchine, glüht in Alltag, der Uraufführung von Hans van Manen und explodiert im dritten Teil, der 2. Symphonie von Brahms in einer fulminanten Choreographie des Hausherren Martin Schläpfer.

 

Eigentlich sollte am Ende dieses dreiteiligen Ballettabends nach Alltag von van Manen noch eine weitere Uraufführung stehen. Der Choreograph Terence Kohler musste wegen Krankheit absagen – stattdessen hat Schläpfer seine bereits 2013 gezeigte Choreographie Johannes Brahms - Symphonie Nr. 2 aufs Programm gesetzt. Eine ausgesprochen glückliche Entscheidung.

 

 

Die Serenade eröffnet den Abend. Sie wurde von George Balanchine 1934 für seine Studenten der American School of Ballet choreographiert und hat tatsächlich etudenhaften Charakter, rückwärtsgewandt, gespickt mit Zitaten und Anspielungen in Armen und Händen, an die romantischen Ballette des 19. Jahrhunderts. Gleichzeitig gilt sie als eines der ersten großen Werke hin in eine neue Zeit. Die Tänzerinnen, auf Spitze und in raffinierten Tutus, sind befreit von allem Pomp und Glitter und müssen ihr Können virtuos und schnell in ständig wechselnden Konstellationen beweisen.

 

War man einmal im Genuss von Live Musik (souverän, die Düsseldorfer Symphoniker unter dem Dirigat von J. Hochstenbach), steht jeder Soundtrack aus der Konserve, der an ein und demselben Abend erklingt, auf verlorenem Posten. Akkustisch ging die Uraufführung Alltag also nicht auf. Vielleicht hätte dieses Stück den Abend eröffnen müssen.

 

Auf der Bühne sehen wir einen Tänzer (Martin Schläpfer), der einen um Inspiration ringenden Choreographen verkörpert. Zunächst solistisch einige Schritte und Sequenzen wie probierend wagt, dann, sich seiner selbst immer sicherer werdend, raumgreifend tanzt, bevor eine Muse (?) zum Duett erscheint. (van Manen zitierte aus Schläpfers eigenen Choreographien zu Mahler und Bach).

Schläpfer endet, bevor er sich abwendet und geht, in sich versunken auf einem Stuhl. Er schaut gar nicht mehr auf. Seine Gedanken haben sich längst transformiert. Vor seinem inneren Auge, und für uns Zuschauer in Realität, agiert ein junges Paar und übersetzt mühelos die Gedanken eines Choreographen in Fleisch und Blut und lebendigen Tanz.

 

Das klingt schlicht, ist es auch, - in positiver Bedeutung des Wortes.

 

Der 82 jährigen Hans van Manens, geht keine Umwege, skelettiert seine choreographischen Eingebungen auf das Notwendigste. Van Manen ist resistent gegen den Hype nach ständig und vermeintlich Neuem. Auswärts choreographiert er sowieso nur noch selten, aber bei Schläpfer, der zu seinem 80. Geburtstag nochmals als Tänzer auf der Bühne stand, macht er eine Ausnahme: Ausdruck einer langen Freundschaft.

 

Und Schläpfer selbst? Er füllt seine Rolle als Tänzer und Protagonist mit Leib und Seele, so, wie er es auch von seinen eigenen Tänzerinnen und Tänzern erwartet. In einem Zeitungsinterview sagt er über sich selbst: „Alltag im Sinne von Geborgensein kenne ich nicht. „ – umso mutiger sich einer Herausforderung wie dieser zu stellen.

 

Was nun folgt, schlägt einen von Anfang an in seinen Bann.

Wie eine Tuschemalerei läßt Schläpfer sein Ensemble in großen, atmenden Bögen rasant und virtuos durch Brahms 2. Sinfonie fegen. Hier, im letzten Teil des Abends, finden sie zu ihrer ganz eigenen Tanzsprache und zu einer Klasse, die ihresgleichen sucht. Hier sind sie in ihrem Element, wie die Geister des Waldes und die Märchenwesen des Wassers, an dessen Ufer Brahms seine Komposition schuf. Auch optisch klingt von Ferne eine Referenz an die Natur des in den Bergen Kärntens gelegenen Wörthersees an. Die Rückwand (Keso Dekker) zeigt abstrakte Wellenbögen, die Gassen sind nicht mit schwarzem Molton sondern transparenten Wasserbahnen aus durchsichtigem Plastik gehängt, die den hohen inneren Puls dieser Choreographie sichtbar unterstreichen.

 

Schläpfer kreiert in jedem Moment einen komplexen, vielschichtigen Kosmos, wenn er seine Tänzerinnen und Tänzer bei Windstufe zehn über die Bühne rasen läßt. Er staffelt geschickt seine Bilder, choreographiert mehrere, gleichzeitig agierende Gruppen und weil er jede in eigener themengebundener Dynamik belässt, mehrere Tempi übereinander legt, entstehen inhaltlich wie optisch Plastizität und Fokussierung. Wie in einem japanischen Zengarten, in dem bewusst unterschiedliche Höhen gesetzt werden, um dem Auge des Betrachters Entspanndung durch Tiefenwirkung und Dreidimensionalität zu bieten.

 

Virtuos verbinden Schläpfers Tänzerinnen und Tänzer, hier noch in Ballettschlapfen, klassische und zeitgenössische Elemente. Explosive Drehungen gesprungen, mit gleichzeitig rudernd, kreisenden Ellenbögen, eigenwilligen Kopfbewegungen und Artikulationen der Hände – so stürmen sie elegant und kontrolliert hin zum Boden, wo sie mit derselben Verve weiter drehen und wirbeln, sich wieder in den Stand und nahtlos in die nächste Drehung, den nächsten Sprung schrauben. Unisono in Triogruppen oder als Duett zusammengefasst verschlägt einem besonders der kompositorisch wie choreographisch dichte, erste Satz den Atem.

 

Hier existiert keine spezifisch männliche oder weibliche Tanzsprache. Das Ensemble bedient sich eines artifiziellen Bewegungsvokabulars, das diejenigen als Gruppe zusammen fasst, die es in einem Atem meistern können. Und trotzdem entstehen beiläufig und momenthaft Typen: Gnome und Wichtel, Halbwesen, irgendwo im Flugbereich angesiedelt. Sie schwirren und flattern, finden sich in rasendem Tempo, lösen sich wieder auf, lassen eine zurück, die in die nächstfolgende Sequenz führt, in ein neues Thema überleitet.

 

Im zweiten Satz, einem Sextett, geht es auf Spitze weiter, doch sehr natürlich und ganz anders als im ersten Teil des Abends, fast vergisst man die Spitzenschuhe: Die Tänzerinnen ruhen frei atmend in ihren Körpern, die Szene pulsiert dynamisch und höchst musikalisch, doch mehr ortgebunden weiter.

 

Das Solo von Marlúcia do Amaral im dritten Satz bildet den Höhepunkt des Abends.

Nuanciert in kleinsten Bewegungen lässt sie ihren Tanz einem ganzen Orchester ebenbürtig werden. In langsamen Tempo gehalten, doch mit hoher ihrer Dynamik, hält sie Zwiesprache mit sich selbst, verkörpert mehrere Seelen in einer Brust, kämpft an gegen unsichtbare Fesseln, gegen die Beengung der eigenen, äußerer Haut. Ein einprägsames Bild, wie sie nach Verklingen des Orchesters in die Stille hinein, rückwärts auf Spitze schwebend, in gleichmäßigen Bögen die ganze Bühne durchquert, ehe sie in der hintersten Gasse verschwindet.

Jetzt, noch vor Beginn des vierten Satzes braucht das Publikum Luft und applaudiert.

 

Dank der guten Leistung dieses Ensembles, das in der Lage ist, ganz unterschiedlichen technischen Anforderungen und choreographischen Stilen mit Können, Herzblut und einem Augenzwinkern gerecht zu werden, gibt man sich diesem bildungspolitischen Anliegen Schläpfers hin. Und erst rückwirkend, nach der 2. Symphonie erschließt sich der clever gespannte dramaturgische Bogen dieses Abends.

 

Unbemühte Referenzen an Schwanensee und Pina Bausch Diagonalen klingen an und schaffen die gefühlte Verbindung zur Serenade. Das Schlußbild, die Rückansicht einer selbstvergessen mit ihren Armen Überkopf rudernden Gruppe, wird gebrochen, einer tritt heraus und nimmt die Gummientchen, die zuvor das Sextett am Bühnenrand platzierte, behutsam auf den Arm. Das habe ich mit Augenzwinkern gemeint.

 

Viel Applaus, lang nachwirkende Bilder und zum Glück für all diejenigen, die bisher keine Karten bekommen haben, gibt es am 26. 12. quasi als Weihnachtsgeschenk ans Publikum, eine Zusatzvorstellung.

 

AKS 12 2014

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October 31, 2013

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